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ChauCoco!

Artistas 04 Mar 16 0

Les pedimos a nuestros artistas que contesten, a modo de presentación, cinco preguntas acerca de su historia con la música, sus proyectos actuales y sus obsesiones de siempre. 
Escribe y se des/escribe: Rodrigo Ruíz Díaz

La música siempre estuvo en mi vida de alguna forma u otra. Se me vienen imágenes de mi vieja canturreando una composición suya en el piano (siempre toca la misma música) o jugando con mi hermano cantando sobre un disco de Vangelis con un grabadorcito rojo que nos habían regalado. Mis viejos siempre me estimularon, me llevaron a recitales y a clases. Fue así como logre romper unas cuantas teclas del piano y algunas guitarritas. No cambió mucho la cosa la verdad sigo rompiendo instrumentos…

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Creo que la inspiración tiene que ver con las cosas que me conmueven. El tema es que eso puede ser muy variado: un asado con amigos me puede conmover, un libro, una peli, algo que le paso a un amigo o, claro, una historia de amor. Diría que con la música lo que necesito son disparadores emocionales más allá de lo puramente textual.

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Mi relación con las palabras es difícil. Me cuesta mucho escribir y me cuesta mucho conectar con la poesía. Es algo que estoy trabajando porque hace que el proceso de composición se vuelva muy agotador. Básicamente me tengo que sentir cómodo con lo que estoy diciendo,  y eso es muy difícil cuando uno es cultor del cinismo. Tiene que ver con el lugar desde el cual digo las cosas, creo que ahí está el punto: donde te parás para contar y contarse al mundo.

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Actualmente estoy en ese proceso de búsqueda que le sigue al de terminar todo lo que implica presentar un disco (el tercero de ChauCoco!). Trato de darle forma a nuevas ideas, escucho músicas nuevas o que me representen un cambio de paradigma para mí de algún tipo. Trato de aprender alguna cosa nueva que me empuje. Siempre es así. Por suerte ya lo hice varias veces (armar el repertorio de un disco) y sé que es un proceso a veces caótico de prueba y error y que se ordena cuando llega a una masa critica de músicas.

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Elefante en la Habitación!para mi es un grupo de amigos que supo transformarse en un grupo de trabajo. Siempre con un ida y vuelta entre esos dos puntos que a veces son difíciles de conjugar. Es un grupo que en lo personal me ayuda a organizarme y a tener una mirada más consciente y fría del momento que estamos viviendo como músicos en este país. Ojalá todos los músicos puedan tener grupos parecidos de contención, producción y pensamiento de la escena que habitamos.

ChauCoco! propone desde su formación como quinteto en el año 2005 un recorrido por diversas estéticas musicales en el marco de la canción que se permite cambiar de dirección de disco a disco sin resignar su autenticidad compositiva.

Su primer lanzamiento homónimo, editado en el año 2008 con la embrionaria formación que incluía a Manuel Eguía en voz y Luciano Larocca en batería, se emparentaba con distintos aires rioplatenses y contó con la participación de reconocidos músicos como Juan Quintero, Sebastián Baró, Juan Canosa, Alejandro Larocca, Gastón Jalef y Luis Volcoff .


En 2012, ya con su formación actual establecida integrada por Rodrigo Ruiz Díaz (voz, guitarra y teclados), Martín Rur (clarinete y teclados), Juan Pedro Huici (bajo eléctrico y contrabajo) y Tomás Finkelsztein (batería), la búsqueda tomó pulso rockero manteniendo el ensamble principalmente acústico y se plasmó en un segundo disco, Dispersión, que valió los elogios del público y la prensa.

El lanzamiento en 2015 de su tercer disco de estudio, Las Reglas, editado a través del sello de gestión colectiva Elefante en la Habitación!, encuentra al cuarteto porteño en un momento de madurez musical y grupal plena, después de casi diez años de presentaciones continuas en los escenarios más importantes de la escena independiente de Capital Federal y la provincia de Buenos Aires. Durante el mismo año fueron seleccionados además como participantes de la Bienal Arte Joven Buenos Aires.

David Chorne

Artistas 04 Mar 16 0

Les pedimos a nuestros artistas que contesten, a modo de presentación, cinco preguntas acerca de su historia con la música, sus proyectos actuales y sus obsesiones de siempre. 
Escribe y se des/escribe: David Chorne

Cuando era chico vivía pegado a la casa de mi abuela y a la siesta – les recuerdo que soy entrerriano, “la siesta es sagrada”-, hora en la que todos dormían, el juego era la imaginación. Yo jugaba a cantar, a inventar canciones. Recuerdo con mucha presencia aquellas horas. Luego esos juegos se extendieron por otros rincones y creo que me siguen acompañando hasta hoy.

Esta es, si quiere, la parte poética del asunto. Después vino la formación callejera: la cultura del tambor, los amigos y el río. Estas vivencias fueron un espacio de aprendizaje muy importante. Más tarde vino el destierro, llegar a Buenos Aires para estudiar, un tiempo en Córdoba, trabajar y vivir en Montevideo. La música fue la guía que me acompañó siempre, en cada momento, en cada lugar.

Nunca fui un gran alumno, hice mi intento en la EMPA, tomé clases con algunos más o menos conocidos. La verdad es que mi escuela fue la música popular y la suerte de estar casi siempre rodeado de muy buenos músicos de los cuales aprendí mucho. Por otro lado, creo que la que más me enseñó fue la canción. Siempre había – y hay todavía – alguna canción que me enseñaba acordes nuevos, me ponía a prueba, me exigía. Soy un agradecido por eso.

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Muchas cosas me inspiran. Es medio difícil definir la raíz desde la cual brota la música, pero creo que básicamente se trata de estar vivo y mantenerse permeable. Cuando esto pasa, las cosas que me atraviesan son muchas, algunas más intimas, otras más sociales o del cotidiano y otras llegan desde la alegría.

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No soy de los que escriben todo el tiempo y en este momento de mi vida tampoco estoy leyendo mucho. Igualmente sigo sorprendiéndome, tengo una relación que día a día va encontrando sus modos, su tiempo, su lugar.

Creo que la poesía es una experiencia vital más que un hecho artístico. La poesía está en aire, aparece todo el tiempo. La palabra es un tema ya más complicado. Pero si se trata en relación a la música, la encuentro cuando canto, la dejo ser y nace de las melodías que las canciones me cuentan, se trenzan con la emoción cuando compongo y ahí quedan. Suena vago pero así es, y están mis palabras sin duda atravesadas por todo eso que antes hablábamos que a uno lo inspira. Hoy escribo así, mañana no sé, pero lo espero.

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Este (2016) es un año de realización de proyectos que nacieron el año pasado. En 2015 edité mi primer disco, CARAS, a través del sello, y estoy presentándolo en diferentes lugares. Se vienen algunos viajes, vamos a filmar también, y estoy componiendo con la idea de comenzar a grabar mi segundo disco a partir de fin de año. Todavía no se cuando saldrá, pero en eso estamos.

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Formar parte de Elefante en la Habitación! es, en mi caso, la demostración de que cuando hay anhelos compartidos, ganas de trabajar y humildad, se producen cosas mágicas. Me produce la dicha de sentirse acompañado. Participé de toda la experiencia, desde los inicios del sello, hasta su presente. Siento la emoción de compartir con gente talentosa y que hace cosas que tanto me gustan. Además, es la oportunidad de seguir aprendiendo y la confianza de ir creciendo como músico, compositor y gestor.

David Chorne es un músico oriundo de Concordia (Entre Ríos), que lleva más de diez años participando de diversos proyectos culturales como gestor, productor y compositor. Integró distintos grupos instrumentales, vocales y ensambles de percusión; compuso música para niños, para obras de teatro y danza, y formó parte de otras expresiones populares como murgas y comparsas de candombe.

En el año 2008 comenzó a presentar sus composiciones en distintos escenarios de Entre Ríos, Córdoba, Santa Fe, Buenos Aires y Uruguay tanto en formato unipersonal como acompañado por los entonces músicos de su banda, “El tuco”.

Finalmente instalado en la ciudad de Buenos Aires, David Chorne presenta en 2015 su primer disco como solista, Caras, editado a través del sello de gestión colectiva Elefante en la Habitación! Allí confluyen en diez canciones de estribillos pegadizos y minuciosos arreglos las distintas influencias folklóricas que definen su identidad como músico, abordadas desde una perspectiva evidentemente litoraleña. Participan además dándole color a sus composiciones un sinfín de músicos invitados entre los que destacan Carlos AguirreLiliana Herrero y Ramón Ayala.

Lautaro Matute

Artistas 04 Mar 16 0

Les pedimos a nuestros artistas que contesten, a modo de presentación, cinco preguntas acerca de su historia con la música, sus proyectos actuales y sus obsesiones de siempre. 
Escribe y se des/escribe: Lautaro Matute

De chico en mi casa se escuchaba mucha música, y mucho del mundo de la canción y la trova.

En la primaria empecé a tocar la guitarra a partir de que mi ‘mejor amigo’ de ese momento tocaba, así que le dije a mi mamá que quería empezar. Esto se dilató porque justo dio con un profe que le dijo que tenían que conseguir una guitarra chiquita para mí, y en ese momento no lo podían hacer. Así que unos años después tomé mis primeras clases con Lucho Gonzalez, que era amigo de mi viejo, y se copó en enseñarme gratis, aunque por poco tiempo, por cuestiones de sus tiempos. Despues de más grande supe el musicazo que era este tipo, y pude volver a él a buscar otras datas, mucho más específicas con respecto a lo que él hacía y hace.

Después durante el secundario fui tomando clases con profes particulares, y caí con uno que no sé bien por qué, me propuso vocalizar y cantar. Fue pasando el tiempo, con algunas bandas de rock, punk rock, reagge y ska, de amigos, y buscando otras músicas por otros lados hasta que caí en el Instituto Vocacional de Arte. Lo que más rescato de esa experiencia es el contacto con el teatro y la literatura, entre otros talleres. Siento que tuvo mucha influencia en el quehacer musical de después.

De ahí pasé al conservatorio, a estudiar guitarra clásica y ese mismo año (5to año del secundario) se empezó a armar lo que es hoy Ensamble Chancho a Cuerda. La construcción de ese grupo me ayudó mucho en ese momento a poder definir que quería seguir el camino la música.

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En principio aparece la necesidad de canalizar una emoción fuerte o intensa.

Muchas veces surge desde algo muy de la sensación.

Contar una situación, repensarla, atravesarla, resignificarla.

Expresar un desacuerdo con algo, una opinión también.

Aunque también viene a través del juego musical por el juego musical en sí, de probar, escuchar e ir construyendo.

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Me siento todavía muy poco lector en general, y menos aún de poesía. Aunque la disfruto, me pasa eso. Pero le presto mucha atención a la palabra y su desarrollo dentro de la canción a la hora de componer y de escuchar.

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Actualmente estoy aprendiendo mucho del trabajo de producción de las fechas y tareas de comunicación y ese tipo de cosas, todo lo que implica esto de ‘mover’ el disco nuevo. Cosas que nunca había tenido tan sólo bajo mi responsabilidad.

En el plano artístico estoy dando lugar a componer canciones nuevas, y cerrar algunas que quedaron en borradores; y a la par empezando a pensar en armar conciertos a “solo set”, tocando varios instrumentos y mezclando canciones mías con otras cosas

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Lo primero que se me viene es la sensación de contención, de trabajar con gente que está en la misma búsqueda, trabajando a la par de alguna manera, cosas importantísimas. Eso es Elefante para mí. Además, está buenísimo compartir catálogo con artistas con los que siento mucha cercanía. 

Lautaro Matute lleva más de diez años participando de proyectos musicales como intérprete, compositor y arreglador.

Forma parte del Ensamble Chancho a Cuerda, junto a quienes editó tres discos: “Contrastes” (Independiente), “Subversiones” (Vinilo Discos / Ganador del Premio Gardel 2013 a Mejor álbum Instrumental/Fusión/World music) y “Deconstrucción” (NoSeso Records / Nominado a los Premios Gardel 2015 en el rubro Ingeniería de grabación) y compartió escenario con artistas como Liliana Herrero, Leo Maslíah, Benjamim Taubkin, Ná Ozzetti, Facundo Guevara, Hernán Ríos, Carlos Moscardini, Vitor Ramil, Hugo Fatorusso y Luiz Carlos Borges entre otros.

Como intérprete integró además diversos grupo de folklore argentino y latinoamericano como Negros de miércoles (dirigido por Hubert Reyes), el conjunto de su padre Nahuel Porcel de Peralta y el trío del cantautor Nicolás Rallis. Participó además de la grabación del DVD “El fin de la radio” como parte de la Orquesta de Cámara La Tribu. Como compositor y arreglador realizó música para cine y teatro.

En el año 2016 se encuentra presentando su primer disco solista llamado “Día a día”, editado por el sello de gestión colectiva Elefante en la Habitación!, en el que confluyen trece canciones originales y una versión de Renato Teixeira presentadas en diferentes formaciones con arreglos colectivos.

María Pien

Artistas 04 Mar 16 0

Les pedimos a nuestros artistas que contesten cinco preguntas acerca de su historia con la música, sus proyectos actuales y sus obsesiones de siempre, a modo de presentación.
Escribe y se des/escribe: María Pien

La mía era una casa artística pero no de músicos propiamente, aunque sí de melómanos, así que siempre había algo sonando, y yo bailaba, cantaba y memorizaba todo lo que podía. Mi viejo, del ’40, escuchaba jazz, folklore, tango, y algunas cosas extrañas como un casette de canto yodel de los Alpes Suizos que sonaba mucho en nuestro auto. Cantaba muy bien, con lindo timbre intuitivo, y tocaba la trompeta no tan bien, pero le gustaba decir que tocaba, calculo que para conectarse con algo de la esencia de Louis Armstrong, Bix Beiderbecke o Miles Davis. Mi viejo también me enseñó a querer la poesía criolla, Jaime Dávalos, Atahualpa, Manuel J. Castilla, esas cosas. Mi vieja, del ‘60, como corresponde es muy beatlera, me guardo para siempre en el corazón haber llorado con ella viendo a Paul. El Flaco, Charly, Karen Carpenter, Bob Dylan, Joan Baez, todo eso me llegó por el lado de mi mamá.

Había una guitarra en casa y recuerdo que quería mucho aprender, así que a los diez arranqué en el conservatorio de mi barrio (el Thibaud-Piazzini) y desde entonces ando con la compañera de acá para allá. Al terminar el secundario tuve un momento de incertidumbre relativamente breve en el que pasé por el profesorado de francés del Lenguas Vivas (mi escuela primaria y secundaria) casi un año, para luego volver al conservatorio (esta vez al Falla) en la carrera de canto lírico. Gracias a mi maestra de entonces, que me preparó para entrar, me enamoré de la ópera y hasta llegué a pensar que me dedicaría a cantarla, pero el deseo de componer fue más fuerte.

En un momento el conservatorio me empezó a cansar así que salí a buscar otras fuentes, cambié de la carrera de canto a la de guitarra, y paralelamente me anoté en una escuela de música popular, en la que conocí a Diego Rolón. En sus clases, y luego con él como productor de La Vuelta Manzana (mi primer disco), aprendí muchísimo de la guitarra, de las formas, de los géneros, y también de cómo se hace un disco, de cómo se lleva un arreglo de la imaginación a la realidad. Diego fue la primera persona que me dijo “vos sos compositora” y eso fue muy importante para mí, me ayudó a aclarar el panorama y encarar el oficio con más confianza, siguiendo ese latir. Todo lo que viene sucediendo hasta acá por el camino sirve para ratificar, para seguir construyendo en esa dirección. Ojalá que cada vez sea con más libertad.

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Creo que no miento si digo que me interesa (casi) todo. Una de las cosas que aprendí en mi casa y que más valoro es que la aparición de la inspiración está directamente relacionada con el ejercicio, con la práctica de la disciplina que una elija para invocar y manifestar. En la pared de la cocina había un cartelito con la famosa frase de Picasso “Que la inspiración te encuentre trabajando“. En mis mudanzas sucesivas fui escribiendo esa frase siempre a la vista en algún lugar de la casa (hoy está en la cocina de La Alfombra Mágica), creo que es un buen recordatorio.

Un día, mi mamá me contó algo parecido a esto: sucede que sobre nuestras cabezas flota una especie de río o de canal mágico, y nosotros tenemos que cultivar el hábito de estirar los brazos para atrapar, si tenemos suerte, un poquito de esa magia flotante. Hay que intentarlo con cierta regularidad como para aceitar el mecanismo, perfeccionar la manera de estirarse para no lastimarnos, y afilar los sentidos para percibir al posible botín que anda dando vueltas por ahí arriba. En la feliz ocasión de que atrapemos algo, es muy importante no soltarlo: hay que parar (lo más que se pueda) y hacerle lugar a eso que apareció, ponerse a cocinar algo con la pesca de día. Entonces viene a nuestro auxilio ta técnica, para facilitar y encaminarnos con firmeza y sin miedo en el proceso. Esta imagen que me fue dada me gusta mucho, porque deja claro que sin magia, sin la chispa que tomamos prestada de un algo que está literalmente por encima nuestro, no hay guiso posible, pero que también hace falta insistir, practicar, estudiar -de la manera que más nos guste, como sea- y no bajar los brazos, porque estirando la mano para arriba con frecuencia, algo se pesca.

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Me maravillan las palabras. Frenesí, recalcitrante, meditabunda, pleamar, son todas tan hermosas que me gustaría hacer un manto con ellas y dormirme dentro.

Lo mejor es que, además de bella, la palabra puede ser mágica, puede ser sanadora, puede salvarnos del desastre, puede ablandar un corazón que lleva años apretado como una piedra. Experimento el efecto benéfico de las canciones que me atraviesan (pienso en ‘Both sides now’, o en ‘Vamos a levantarnos para ver las flores del jardín’, o ‘Which will’, por nombrar un par). Creo en ese poder y lo respeto, así que intento trabajar por ahí todo lo que puedo, y honrarlo desde mi pequeño aporte.
Algunas canciones me hacen decir cosas que a veces siento que son mensajes del futuro para mí misma, cosas que vengo a decirme desde algún lugar profundo, y esa excavación cumple su función, me es útil. Cuando eso que canto le sirve a alguien más cobra nuevos sentidos, entonces la palabra es un puente o un pasadizo secreto, y ahí nos encontramos. Magía!

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A fines de abril salió Tres Poemas EP, obra en pequeño formato con nuevas músicas que grabamos con Guli (Agustín Bucich, coproductor y compañero de los días) en nuestro estudio La Alfombra Mágica. Salió en forma de música y de una video-exploración que guionamos con Josefina Chevalier y que dirigió María Aparicio, filmada este verano pasado en Córdoba.

El proceso creativo fue muy hermoso, rápidamente se transformó de un flash personal en un proyecto colectivo, en el que cada creadora y creador dejó su huella y todas conviven. Hice este blog para lxs que quieran saber un poco más sobre la obra y quienes la hicimos.

Ahora mismo tengo varias ideas para varios discos rondando en mi cabeza, y muchas ganas de grabar, así que lo más probable es que comience a hacerlo antes de fin de año. También estamos empezando a dar forma a nuestro proyecto con Lucila Pivetta!

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Formar parte de Elefante en la Habitación es un orgullo! Creo mucho en nosotros, en lo que hacemos y en cómo lo hacemos. EH! es un espacio de aprendizaje, creo que hemos crecido en estos años y que vamos a seguir haciéndolo, con aciertos y errores vamos andando. El camino que elegimos, el del arte, el de la cultura, el de movilizarse y transformarse a una misma o uno mismo desde el hacer y brindar esos frutos, no es algo tan fácil de sostener todavía en ninguna parte del mundo. En lo personal me siento agradecida y bendecida de poder hacerlo, que ya es un montón, pero como forma de vida no es la más estable. De todos modos no hay opción, el corazón manda y lo seguimos, y tira para allá, así que estar juntos aunando esfuerzos lo hace todo más divertido, más fructífero, mejor.

María Pien (1986) es una compositora, música y poeta del barrio de Almagro, ciudad de Buenos Aires. Editó dos discos de estudio y un EP audiovisual (disponible online): La Vuelta Manzana (2012), Malinalli (2014) y Tres Poemas EP (2017).

Con canciones de Malinalli fue seleccionada ganadora de Argentina del Primer Concurso Iberoamericano de Composición de Canción Popular -Ibermúsicas (noviembre de 2014), y obtuvo el 1º premio en el Certamen Internacional de Canción de Autor ‘Abril para vivir’, celebrado en Granada, España (abril de 2015).

Durante 2015 participó como bienalista de música en la Bienal Arte Joven Buenos Aires, fue invitada por Andrea Echeverri y la Fundación Barrio Colombia a versionar la canción ‘Errantes‘ para el disco homenaje a Aterciopelados por los 20 años de ‘El Dorado’, y su canción ‘Sol de septiembre‘ fue versionada por Juan Quintero para su más reciente espectáculo junto a Luis Pescetti (‘Cartas al Rey de la Cabina 2’).

En abril de 2017 estrenó Tres Poemas EP, una exploración musical/ poética/ visual con la participación de más de veinte artistas de múltiples disciplinas, y enteramente grabada en su casa-estudio La Alfombra Mágica en co-producción con Agustín Bucich.

María vive en Núñez, casi donde empieza Saavedra. Forma parte de la banda GULI como guitarrista, y es y co-creadora de Ruiseñora, proyecto naciente junto a su amiga Lucila Pivetta.

Nahuel Carfi

Artistas 04 Mar 16 0

Les pedimos a nuestros artistas que contesten, a modo de presentación, cinco preguntas acerca de su historia con la música, sus proyectos actuales y sus obsesiones de siempre. 
Escribe y se des/escribe: Nahuel Carfi 

Desde chico tuve una intensa relación con la música. Mi viejo es cantante amateur de tangos, milongas y zambas. Un tío muy presente en casa durante mi infancia hacía sonar rock nacional. Y ya en la primaria, mis mejores amigos (hoy día músicos profesionales) tocaban! A los 8 años empecé a tomar clases particulares con Sergio Sainz, músico de la llamada “Trova Rosarina”. Participé de ensambles infantiles, como La Vanda, y tuve un grupo de infancia que se llama R.I.P. (Rock In Peace). Conocí a los Beatles, The Police, Nirvana, Jaco Pastorius, y muchos grupos y músicos influyentes.
De chico tocaba el teclado y cantaba.
Ya en la adolescencia, me interesé mucho por el jazz y la fusión. Estudié piano con Gustavo Pires, un maestro que incluso hoy considero fundamental en mi formación, por la cantidad de “data” que manejaba, y su método tan pedagógico de organizarla. Tuve un grupo de rock, en el canté y toqué el bajo, Discordia. Esto duró unos años.
Cuando terminé la secundaria, me decidí por la música.
En ese mismo momento entré a un apenas nacido Ensamble Chancho a Cuerda, tocando el piano y con la idea de hacer música propia y experimentar. Estudié Composición en universidades (UCA, Maimónides) nunca terminando mis carreras de grado, aunque me gradué como Profesor.
Podría decir que desde el fin de mi adolescencia que mantengo la idea de crear una música propia, que haga uso de distintas posibilidades, formas y recursos. Hacer música instrumental o canción, componer escribiendo partituras o grabando maquetas. Dialogar con distintas vertientes, corrientes, culturas musicales, investigar y estar a disposición de lo que vaya surgiendo.
Mi relación con la música, como yo la entiendo, es un eterno aprender, un eterno investigar.

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Cuando escucho música o hago música, me siento en casa. Es un terreno en el que me siento pleno. Siento que me estimula en igual medida la emoción como el intelecto.
Me inspiran, para hacer música, otras músicas u otros músicos. Me encanta leer e investigar sobre historia de la música, sobre cómo se desarrolló tal o cual artista o banda o canción. Cómo eran las orquestas de tango en los ’50, cómo se compuso una obra de Ligeti, por qué tal canción de los Beatles tuvo tanta influencia, etcétera.
Me pasa que encuentro contenido e inmensidad artística en casi toda la música que escucho. Incluso muchas veces me interesé por la llamada “música comercial” o de mercado, porque encuentro a grandes creadores, productores, artistas, también allí. Y me interesa la música como fenómeno social también, en varias de sus consecuencias, en distintos niveles de la realidad.
Para resumir: soy de los músicos que buscan en música la inspiración.

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Mi relación con las palabras es de amor-odio. Me encanta escribir, y me es natural. Durante dos años escribí prácticamente todos los días textos breves, en los que por momentos me hablaba a mí mismo de forma terapéutica, y por momentos creaba poesía pura, jugando con los sentidos y las palabras.

Leí mucho durante mi adolescencia y primera juventud. Pero hoy día soy un lector vago, que lee dos libros por año. Hace mucho tiempo que no me siento conmovido especialmente por algún texto o poesía. Sí me sigue pasando que las canciones me emocionan. Creo que hay algo superior en la relación que se da entre música y palabra. Y amo la palabra sonando en un contexto musical o sonoro.

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Estoy terminando mi primer disco solista. Probablemente se llame “Pianos, aunque no sea un disco en el que el piano tenga un rol especial ni protagónico. Tiene que ver con que mi relación con crear música e improvisar, e incluso cantar, se da diariamente en mi vida a través del piano o el teclado. Es un disco con 9 tracks: 7 canciones y 2 instrumentales. Algunas canciones son viejas y otras más nuevas. Algunas sonaron en vivo varias veces y otras nunca. Es un disco que me llevó casi dos años de realización, y en el también invité a algunos músicos que admiro y de quienes aprendí una enormidad: Benjamim Taubkin, un pianista, compositor y gestor paulista, un verdadero “maestro” o “artista de la vida”, a quien le debo el haber renovado el entusiasmo en el diálogo músical con otros artistas. Ná Ozzetti, cantante también paulista, una mujer con una versatilidad impresionante, con una humildad increíble y una voz y predisposición realmente únicas. De ella aprendí sobre la apertura musical y sobre el juego y la tranquilidad. Y Leo Maslíah, un artista genial, inclasificable, creador compulsivo, escritor, músico, dramaturgo, pensador, humorista. Es todo eso y nada de eso. Único también.

Estoy muy entusiasmado con este proyecto, y siento que tiene algo muy personal, porque me permito jugar conmigo mismo, hacer un disco con “quien soy” y no pretendiendo ser otro ni algo. Es un mostrar como pienso y hago musicalmente todos los días.

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Formar parte de Elefante en la Habitación! significa para mí la posibilidad de acompañarse, de apoyarse y de aprender del otro. Es reconfortante saber que hay un otro que está en el mismo difícil camino que uno, creando y dudando a cada paso, cada uno a su manera. Pero juntos. Y siempre es mejor tener un “nosotros”, un “vamos juntos” hacia donde haya que ir.

Pianista, compositor, productor y arreglador musical. Desde el año 2006 desempeña un trabajo intenso en el ámbito de la música popular contemporánea junto al Ensamble Chancho a Cuerda, con quienes ha editado 3 discos: “Contrastes” (2010, UMI), “Subversiones” (2012, Vinilo Discos, Premio Gardel 2013) y “Deconstrucción” (2014, NoSeso Records, nominado a los Premios Gardel 2015).

En el ámbito de la música académica integró la Orquesta de Cámara La Tribu para la interpretación, composición y grabación de la obra “El fin de la radio”, presentada en 2009 en la Facultad de Derecho de la UBA y posteriormente editada de manera independiente. Además colaboró en la edición del álbum “Orquesta música nueva” (2010, Música Nueva), para el cual participó como pianista y que además incluye una obra de cámara de su autoría, “Emboscada”.

Como instrumentista grabó junto a Ciruelo el disco “El vientre de la ballena” (2014, Elefante en la Habitación!) y ha tocado en celebrados proyectos musicales, como Octafonic (dirigido por Nicolás Sorín) entre muchos otros.

Desde 2011 desarrolla su carrera solista en el marco de la canción contemporánea, acompañado por piano y/o pequeños grupos instrumentales. Sus canciones se caracterizan por crear climas íntimos en los que la voz y el piano dialogan, se encuentran, discuten y se entreveran fusionando diversos géneros y expresiones de la música popular.

Actualmente se encuentra presentando su primer álbum, “Pianos” (Elefante en la Habitación!, 2016) que cuenta con la presencia de prestigiosos invitados internacionales como Leo Maslíah (Uruguay), Benjamim Taubkin (Brasil) y Ná Ozzetti (Brasil).

Nicolás Rallis

Artistas 04 Mar 16 0

Les pedimos a nuestros artistas que contesten, a modo de presentación, cinco preguntas acerca de su historia con la música, sus proyectos actuales y sus obsesiones de siempre. 
Escribe y se des/escribe: Nicolás Rallis 

La primera vez que estuve en ensayos y conciertos fue en la panza de mi mamá cuando cantaba en un coro, actividad que ella continuó siempre. Comencé a tocar la guitarra a los 8 años, copiando a mi hermano y de adolescente empecé a tocar con amigos y con algunas presentaciones solo. A los 17 empecé a tocar con el Ensamble Chancho a Cuerda, grupo con el que continúo haciendo músicas propias y de mis compañeros, con quienes empecé mi actividad como músico.

Desde 2009 empece a tocar mis canciones solo, recorriendo un camino de cantor, y voy por mi tercer disco de composiciones propias.

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El amor y la política, las nuevas y viejas resistencias, los horizontes y las utopías.
La vida y la muerte, siempre presentes, y la fugacidad en la que vivimos.
La idea que tomo de Jorge Lazaroff de denunciarse a sí mismo, de dejarse ver, de cuestionarse.

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Intento nutrirme de poetas que admiro, de los viejos y de los nuevos, y que mis letras sean el eje de mis canciones: la palabra al frente cómo puente a la emoción. Escribo como observador, cómo narrador de historias. Aprendo a componer desde la forma y a deconstruirla, a escribir en prosa y en verso, a cantar coplas acompañandome con la guitarra y la caja, a cantar a capella o hacer música sin texto si es necesario.

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Estoy terminando mi tercer disco ‘Estábamos tan tristes que no podíamos cantar’, un trabajo solista que registré en una madrugada y un amanecer con la compañia de tres grandes amigos: Víctor Rallis (mi hermano), Federico Fragalá en la grabación y postproducción, Julián Galay en la produccióna artística. Nos fuimos un fin de semana a la playa para grabar en una casa donde pasé parte de mi infancia. Es un disco con una gran carga autobiográfica.

Además, el año pasado estrenamos la obra multidisciplinaria ‘TODO’ de Julián Galay, en dónde cumplí el rol de relator, junto a un ensamble de músicos y un complejo entramado audiovisual/escénico. Es un nuevo camino en que me nutro del teatro y del diálogo entre distintos lenguajes, en dónde por primera vez dejo a un lado mi rol de músico.

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Formar parte de Elefante en la Habitación! es para mí una forma de ser solidario con mis colegas y compañerxs musicales, remar y surfear juntos en esta tarea de hacer música. Se trata de inventar nuevas formas de seguir haciendo lo que nos inquieta, de buscar objetivos comunes y ayudarnos entre todxs de manera creativa. Que nuestro trabajo pueda concentrarse en la emoción y la belleza y no en la competencia.

Nicolás Rallis está presentando en 2016 “ESTABAMOS TAN TRISTES QUE NO PODÍAMOS CANTAR”, tercer disco de composiciones propias y ajenas luego de “Canciones sobre el silencio” (2012) y “Saltar al Vacío” (2014).

Como lo hace desde hace casi diez años junto al grupo Ensamble Chancho a Cuerda, con quienes editó tres discos, trabaja sobre una música popular que se nutre de diversos géneros, un universo construido por múltiples lenguajes, verdaderos sonidos de frontera. Su repertorio recorre temáticas vinculadas al amor, la política, los viajes, la vida y la muerte, con la intensidad como eje unificador. Además de un nutrido cancionero de composiciones propias reversiona autores clásicos (Joan Manuel Serrat, Daniel Viglietti o María Elena Walsh, entre otros) y jóvenes cancionistas de su generación, e incluye músicas propias sobre poesías de Mario Benedetti y Federico García Lorca. Además de las producciones propias, se destacan sus colaboraciones como guitarrista y cantante con artistas de la talla de Liliana Herrero, Leo Masliah (UY), Ná Ozzetti (BR), Vitor Ramil (BR), Benjamim Taubkin (BR), Matthias Loibner (AUS), Raly Barrionuevo, María Pien, Lorena Rizzo y Diego Schissi. Nicolás Rallis forma parte del sello de gestión colectiva Elefante en la Habitación!, plataforma autogestiva a través de la cual produce sus discos y conciertos.